Joan Cornellà Vázquez （生于1981年1月11日，巴塞罗那）是一位漫画家和插画家，以搞怪的漫画和艺术品而闻名，这些作品通常充斥着令人不适的黑色幽默。
他通过简单的视觉语言以及各种非常规的场景讽刺人性的阴暗面。题材囊括：现代人与社交媒体的关系、畸形的自拍文化、堕胎、药物成瘾和性别问题等政治话题，无所不包。
乍一看，康奈拉的作品显得轻松而有趣，细看之后会注意到画面的讽刺和不和谐之处。插画中明亮欢快的色调搭配着空洞的笑容，透露出复杂的文化隐喻。
讽刺插图的核心是打破禁忌，这些主题在以往的文化环境中被认为过于神圣或过于敏感。Cornellà在这些主题上作秀，并以插科打诨的态度切入其中，描绘出阶级对立，堕胎法案，神职人员失格，谋杀，自杀和截肢的场景。虽然有些人对他的作品感到生理上不适，但许多人都读懂他作品的言外之意，并把作品和新闻联系起来，会心一笑同时又感到愤怒。
这些作品发人深省的同时有充分的娱乐性。对于Joan Cornellà的漫画或许每个人都会有不同的解读，而Joan则直言：“我的作品都是围绕生活中的坏消息，我从来不想探讨我的作品，我讨厌为我的作品解释和定义。”
三年过去，我看过的艺术家越来越多，但我的心里永远为Cleon预留了一个席位，因为他的画是那么热烈、生机勃勃，鼓励了三年前的我重新拿起画笔。时至今日来看，他画的暴力和战争像是预言，一语成谶，道出这消失的三年我们每个人的经历，我们生活的时代暴力从未走远。
在2020年上海当代艺术展的时候偶然间看到这位艺术家的作品，给我留下深刻影响。
Cleon的作品有着非常明显的个人风格，黑白分明的配色，简单流畅的线条，做着不同动作的人物……是的，这些绘画是暴力的、凶残的，在这些“不见血”的画作中却充斥着种族歧视、屠杀虐待等一系列沉重的主题。如此直白的表达方式，也是Cleon对现在大众对艺术品懒惰思考和过度消费的一种讽刺。
对于大部分的观众来说，Cleon的作品自然而然就是他本人的内心或者世界观、道德观的代表，但现在不少的观众都把艺术品当成了广告一样看待，大家都被放纵成为了懒惰的消费者。大家会把艺术家表达在作品上的方式把和平时看广告一样被推销产品的优点一样，只会告诉给大家优点，吸引人的优点。但对Cleon来说，这些不是他希望自己的作品的艺术功能，所以他在作品中提出了被大宗认为是和社会伦理道德不协调的东西，引发大家对于社会生活上伦理、道德和历史角色上的思考。
他的画能被放在埃菲尔铁塔下不仅仅因其具有极强的视觉冲击力，更是作品与当今社会所面临的问题有着紧密的相关性。他把自己关于美国政治问题、种族问题和人性的思考放到自己的作品当中去。
我们身处在和平年代里，但是战争与人性的暴力其实从未走远，他的画都是关于当今社会发生的事情，他的作品却采用非常古老的手法来表现的，绘画深深植根于西方历史当中，从描绘战士斗争和战斗的古希腊罗马花瓶到卡拉瓦乔奇妙的断头绘画以及戈雅的暴力杰作。
当将某些经典元素、或者经典构图，有意地和当代意象并列在一起，能够表明，暴力以及当权者的影响，是恒古存在的全人类的共同经历，尤其是美国当今的政治环境，以及我们牵涉的战争，都与其息息相关。这似乎在说，尽管我们已经进化了，但我们最终与过去的文明并没有太大的不同。他的作品再现的暴力与冲突，也是警醒我们更加要珍惜眼前的和平。
在看了寄生虫之后觉得其中的暴力与矛盾和Cleon Peterson所想表达的观念有些重合，便邯郸学步画了这张画。是什么让原本善良聪明的一家人最后变成杀人凶手，每个人有自己的思考。但无论是Cleon Peterso的画还是寄生虫的电影，之所以能共情，撇不开所谓主流媒体对这些背后事件的消费。
可能有人看到最后还是觉得他的作品看起来好普通，自己也可以画出来。但其实你画不出来，正因为你觉得“好普通”，你甚至都不会拿起画笔。
找到野柚子，我们就飞上火星
2019的元旦，地球最后的夜晚在上映后收到了群众们的围殴，事实也证明抖音营销所针对的目标人群和电影的受众是两个鲜有交集的圈子。毕赣的长镜头没有满足“小镇青年”渴望走进电影院里暂放下现实，开心地观看一段可歌可泣的爱情故事的幻想，相反地使他们感觉到了愤怒，语义不明的台词、碎片化的非线性剪辑使得大家觉得自己的电影方面的素养受到了嘲弄。
传统意义上的爱情故事，“青蛙王子”或者是“灰姑娘”之类的主流模式在这个电影里都没有对应上。汤唯和黄觉的加入，更专业灯光、摄影使得电影多了电影感，没了路边野餐纪录片般的粗粝。但剧情上还是过分强调各种符号和语义，没有连贯的剧情，很多线索埋藏在对话和小的细节里。
理一理故事情节，男主人公有个好朋友被黑帮老大杀了，他却爱上了仇人的女朋友，仇人的女朋友利用他杀死黑帮老大，之后消失，男主人公多年后回来寻找这个女人。在这场没有结果的寻找之旅中配角人物悉数登场。
作者用一个失败者的梦境切开社会人内心深处的需求。要讲这个故事离不开弗洛伊德梦的解析，这个电影的基石就是做梦会体现自己内心深处的渴求。故事的前半段回忆和现实穿插就是在说男主有哪些经历，后半段梦境一是讲他有哪些情感需求，电影借着“梦是现实的补偿”来完善他现实所经历的故事。
那段使房间旋转的咒语、那本书、那个美丽的坏女人、潮湿的水边、野柚子、年代感十足的舞曲、用现在的话来概括说这是一个舔狗的爱情故事，但是汤唯在电影里显得那么真诚、她游离于三个男人之间、像是一缕抓不住的青烟，她让每个男人都觉得自己要拥有她了，然后离开。
在梦境里男主幻想她是一个美丽、忠贞的女人，她相信爱情，他可以带她飞出黑帮老大的牢笼，他们可以一起在旋转的房间接吻，可是她给他的是烟花、短暂的意思，他却想给她的钟表、长久的意思。
电影里男主梦一开始就见到了“白狗”、他是他对兄弟“白狗”愧疚的缩影、遗憾白狗没有留下血脉就离开世界留下母亲一个人留在世界上，也是对那个打掉的孩子的幻想、幻想自己也有个半大小子和有完整的家庭。他在梦里幻想自己是个可以保护女人、凶狠的有威严的男人，可惜这都是在梦境的幻想，现实中他是了然一身的失意中年人。
他从小缺失母爱，不知道母亲的相貌，使得他在面对相似的面孔的汤唯一下子就爱上，他把白狗母亲的形象当作是自己的母亲，他幻想着母亲抛弃自己的那一夜发生了什么，她对母亲的离开始终是不能原谅，但在梦里他还是放开了，可能是因为他在成年后终于明白成年人的不易，他哭着把苹果递给母亲，他幻想母亲私奔那夜是滑稽可笑的、她的情夫的猥琐胆怯的，但他还是希望母亲的离开能抓到爱，相信母亲是想把最深最长久的关怀与想念留给自己，只是没有机会。
我在看电影的时候感受到的是主角身上的悲凉和无爱的孤独，但是其实电影中的父亲、白狗及白狗的母亲都是对男主有着很深很深的情谊。男主陷入对以往没有过的亲情的幻想和转瞬即逝的美好爱情的泥沼中走不出来，那么多年他还在追忆那段爱情。
全片充斥着大量的符号、意向、语义、诗歌段落、这是这部电影的风格所在，你确切地感受到情绪了那么就可以说看懂了，至于说每个意向之后代表了什么，每个的都有自己的想法，给他既定一个故事，定义每个符号就像强行把诗歌翻译成小说，把抽象冲洗成照片一样，电影作为一种艺术有它自己独特的形式美，这种说不清道不明，但能让人感知，拥有不同解读的才是后现代的美所在。
不同于穆赫兰道女主爱情事业求而不得后买凶杀人再自杀的结局，地球最后的夜晚没有给出后面的故事，失败之后，遗憾之后，梦醒之后如何面对接下来的人生没有人替我们给出答案。
刚走出电影院那晚的我肯定想不到，两周后的今天我会坐在电脑前，煞有其事地介绍并把这部电影推荐给别人看。因为这部电影的观看并不是非常愉悦的体验，烂俗的开头、对二次元的刻板印象、奇怪的煽情片段和不明就里的结尾。
但我还是推荐你走进电影院去看看这部电影，尽管有着以上的缺点，但这部电影里面的谈论的话题在中国荧幕上几乎绝迹。涉过愤怒的海，就是是谁在愤怒，而愤怒的的缘由究竟是什么呢？
我想这种愤怒和燃烧中男主角的愤怒都是殊途同归的，即在文明的粉饰下夺回自己生活的希望、撕碎一切被建构的特权。这种特权是什么？是送杀人犯出国逃避法律、官官相互、只手遮天。故事的结尾的：船长老金驾着救生筏，穿越汪洋大海，他要独自一人将凶手送到女儿遇害的地方。
但电影却用了一场父女的感情戏草草结束了这个故事，这个精彩的结局为什么要改，借由小说原著作者的话来说：“电影最大的改动是核心冲突变了，从两个爹的对决变成一个父亲和一个母亲的对决，两个爹的对决其实不是单纯爹的对决，而是阶级，那是小说的主旨，但我也理解，在当前的语境下以这个方向做电影，恐怕很难成活……”
看完涉过愤怒的海之后，希望你也能感受到愤怒，对不公正的事情我们理应感到愤怒，而不是只有麻木。我们不能假装永远阳光明媚，愤怒是真实存在的证据。
“《涉过愤怒的海》表面讲的是个复仇故事，可它只是一个复仇故事吗？我觉得很重要的一点就是它涉及到了一些社会议题，很尖锐，对这个议题我并没有采取回避态度，属于时代的愤怒应该被展示出来，而不是一再被压抑、被糊弄过去，甚至是被扭曲成完全相反的东西。”
老晃
“自媒体与智媒体时代的艺术批评”是本次论坛的主题，那我就从自己的经历先谈起，正如大家都知道的，我是从做“绘画艺术坏蛋店”这个公号进入所谓艺术行业的。作为一个所谓的“自媒体”，我在主观上其实一直都是“反互联网”的，对于“智媒体”即AI，我也差不多是同样的态度，处在观望不介入的状态。
先聊聊我在互联网时代感受到的负面体会，那是从2014年我做公号以来，到今天将近十年的一些经历。
记不清有过多少次，公号刚推送了某个艺术家作品集，画廊主就找我要联系方式，然后最快的是一个月之内，这位艺术家就在798的画廊做展览了。渐渐我发现互联网总是打着平权的旗号，但真实目的只有一个，就是要流量和数据。我也发现自己很多时候也会去为了流量而工作，比如“标题党”“蹭热点”这类方式，但多数你被卷入其中的时刻，你发现自己是控制不了的，所以我一直都挺矛盾的。原本我觉得到了互联网时代，无论如何你的工作都会在网络上留下一些碎片、痕迹，然而我个人的真实经历告诉我，什么也不会留下，不仅之前大量的工作不会留下任何痕迹，哪怕此刻你在朋友圈发一段动态，也有可能只有少部分人能看到。你总觉得发在网上就会有人看到，但其实你不知道只有一些人看到而已，并且你永远也不知道他们是谁。这就是传说中的平台限流，是今天伟大的互联网算法给人创造的无痛感冲浪体验。
在此刻，社交媒体越来越偏向抖音和短视频，而短视频是“推荐”机制来运作的。你需要做好再也看不到朋友发的独特内容的准备，因为渐渐地你只能看到大多数人点赞的内容——这就是算法推荐导致的后果。所以在我看来，社交媒体已经终结，推荐媒体已经兴起，它正在悄悄地影响着人的思维逻辑和行为方式，结果必将导向不同的、异趣的声音，越来越微弱甚至消失。
算法时代是一个升级后的监控时代，人们对善的看法早已不像之前那样，由行动的真相来决定，它将由那些“预设”的表象来定义——对此我们也需要从正反两个角度去看待。但是归根结底在互联网算法时代，真相的权力掌握在有能力保留数据的那部分阶层手里。
不聊艺术本身，就说两个真实发生的小故事：第一个关于社会认知，前段时间一位藏家朋友跟我聊到他的经历，他在国外买了一张画但无法入关，两次到了海关都被退回去，后来才知道，原因仅因为那是一张露点的具象油画。我不了解进出口工作流程，也可能之前就是这种一刀切的工作方式，但原先的我完全不敢想象到了互联网时代，社会（公众）对绘画的认知竟然还会如此简单粗暴。第二个故事关于艺术从业者面对批评文章的认知，我公号曾经发过一篇针对某项目展览的投稿评论文章，结果艺术家很生气，要求我删文，且私下让周边朋友劝我删文，后来我就真的删了。从目前全球的院线电影和流行音乐的质量上，大家或多或少也能感受到我说的全面认知倒退现象。此刻的艺术从业者都已经无法接受行业内的批评了吗？况且实话实话，我至今都没看出那篇展评文章到底有什么批评的意图。是什么导致了这些现状？我个人的猜想是，这一切都与人们大量使用互联网配合算法，从而快速获得现实利益的“成功”逻辑，摆脱不了关系。
当然，互联网和AI技术也必然带来更多符合社会进步的正面面向。在技术诞生之初，我觉得一个主要动因是提高了人的工作效率。在那些即将被技术提高甚至替代的领域，人必然会思考如何避免被取代，似乎一个简单直接的方法，就是“干技术做不了的活儿”。可今天再看这种想法，其实已经不太可能做到避免被替代了。
基于今天的主题，在谈这些问题的时候，我觉得首先应该先谈谈“艺术批评”在今天的存在价值是什么？假设一个前提，“艺术批评”已经不能对艺术行业提供进步意义上的价值了，那么现实还需要它做什么？在我看来，至少目前艺术批评领域还不存在被AI替代的担忧，因为说到底AI是用来服务人类追逐价值最大化的，可艺术本就不是为了这个而来的。那么又回到我提的问题，“艺术批评的价值是什么？”。
我以个人体验来总结此刻的时代语境：互联网算法与AI之所以出现并一发不可收拾，正是基于人性中的贪婪、懒惰、自私的原罪，所以必然会顺利地得以推广，影响大众。我暂时定义它为互联网算法AI的原罪。韩炳哲在他的《妥协社会》写到，“活在点赞社会里的人已经无法接受或者说不能再去体会任何痛苦，必须沉溺于讨喜的妄想中，一切都在被磨光直至称心如意。痛苦被看作虚弱的象征，它是要被掩盖或优化的东西，无法与成功和谐共处。”我的理解就是说，在算法制造的成功幻觉甚嚣尘上的时代语境之下，强大的算法从整体上去除了一切可能带来悲伤与不悦的可能，人们甚至不再有机会直面痛苦之事。然而在我简单而直白的理解中，艺术是必须要直面苦痛才有机会诞生的。艺术正在进入它的消亡史，那么在这种历史条件之下，艺术批评又该何去何从？这是否才是艺术批评在此刻应该直面的痛苦？
正因如此，我才认为互联网时代对于艺术批评来说正面影响不大，负面影响会更多。表面看，自媒体时代的艺术评论具有独特优势，就是大大增加了人们发声的出口。但我多年的经验感受却是，出口不仅没有增加，或者说增加只是表象，紧随其后的真相只有一个，就是认知陷入无限轮回甚至倒退之中。当然这倒退也不能完全归咎于这个时代技术。
艺术从业者常常呼吁要客观、要尊重地撰写批评性文章，既不要过于负面，也不要过于正面，目的是使批评“具有建设性”。可这造成的结果就是大家像商量好了一样，按部就班地维护着一个共同的“朝阳”产业。所以艺术是要变得跟体制系统一样安全无痛吗？前段时间我在公号上发过一篇《艺术不是给答案，艺术批评更不是为了说服》，主要是说，我感兴趣的始终是观众的直接反应，甚至肆无忌惮的评论。我认为能对当下产生即刻镇痛作用的就是好的批评，大可不必在乎长远看“准确”与否。另外我认为，今天的艺术评论最好都使用第一人称“我”来表达。“我”本来就是不确定的变化的，这个变化也不一定必须往好里变，这就跟艺术一样——绝不是为了好而好。
由此引出我的一个观点，
人对于自己热爱的工作，应该具备对得起自己的专业能力，但是就工作而言，无论如何都不要让自己职业化，时刻都处在职业化的人必将丧失作为人最基本的感受力，而这对艺术来说是致命的。很多时候刺激的批评都来自外行，这类批评不一定有价值，但它是出自一个活人的有感而发，这就足够了。大部分时候也不是因为专业的从业者没有能力去写针对性的批评文章，而是太职业化导致被职业化规训得丧失了对周遭的感受力。最近看了一个法国电影叫《扬妮克》，大概就是在谈这个事。
人工智能对艺术批评的影响，有可能会倒逼批评者们尽量少使用过去的官方套话，但鉴于AI诞生的初始逻辑，我非常怀疑，与此同时它可能会催生出另一套具煽动性的互联网套话。表面上互联网AI使生活越来越便捷，但便捷的代价是控制它的阶层成为更稳定的隐形少数，为了利益安全的最大化，少数阶层必然会反复演习技术迭代无痛算法，来影响和操纵大众。当强大的算法技术服务于少数管理阶层时，普通人的认知必然越来越倒退——这从管控的角度看也是成立的。
今天的艺术批评写作方式也不存在什么新旧之分，只是传播方式更替了。书写者是否真诚？有没有对其关注对象保持持续的热情？这在今天还有提问的必要吗？在一个从业者全无常识认知的环境中，也许艺术批评只能去做配合商业和权力的事。甚至有时候我觉得从艺术批评转向艺术写作，也从侧面证明了批评的无力。面对无力，如何给自己找到走下去的理由？
艺术批评的前提首先是“艺术”。什么是艺术？是对此刻的不顺从、对固有认知的跳脱、是不安全的观念吗？首先你得回答这些问题，然后才有“艺术”和“批评”。即使没有互联网也没有AI，在我们生活的这个奇特地域，此刻的现实仍然可能是一个毫无常识认知的状态。所以无论处在任何时代，人都不应该对未来寄予希望，活着的人要面对绝望，并作出选择。
在网络上我的态度一直都是反互联网反AI智能的，这行为其实挺可笑的，因为我就生活在其中。我曾在朋友圈发过一段文字：“互联网AI算法下的监控就像是无痛人流手术，对此我们毫无办法，谁叫我们控制不住那根代表着欲望的生殖器呢？”所以整体来说对于这次议题，我很矛盾也很绝望。
这个月观看了一场精彩的CrossFit比赛，见识到了日常运动也可以有“竞技”的一面。赛场上每次他们打破记录，突破极限就会迎来观众们响彻场馆的掌声和呐喊声。
这份激动的心情让我愣了一下，我是怎样从讨厌运动成为为他们呐喊的人呢？
小时候，我享受着自由的运动，我和同院的玩伴在街头巷尾没有道理地追来赶去、在小学期间学会骑自行车、打乒乓、羽毛球，将运动视为纯粹的玩耍。
然而，随着进入学校，运动逐渐被课业取代，过分热衷于运动被认为是分散注意力和浪费时间的行为。学校喜欢德智体美的全面学生，却更爱可以为学校争光的天才少年。体育课的老师也很识趣地或把体育课让给主科老师或是让大家自由活动。高中开始，没有运动习惯的我最讨厌的就是体育课，一千米和排球课变成令人丧气的难关。
步入成年生活后，评价的标尺接入社会。新的优绩主义从学习成绩转向物质财富。考研失败的我选择匆匆进入一个“夕阳产业“的实体公司，和同辈相比，我似乎从毕业开始就直线下坠，一直处在下风。在第一份工作的前两年，经济拮据的我都是在痛苦中度过的。在这段时间，我一度把获得成就寄希望于运动。
“多劳多得”不置可否，但运动让身材变得更好是确定的。当“内酚酞”搅动生理的平衡，日子好像就会有了改观。
更换城市和工作后，我有了一段很长的适应期，适应不同的工作节奏，更适应不一样的自我，适应追赶大家的脚步，这段时间的运动变成了次要的事。随着疫情的结束，整个火热的的市场似乎冷静下来了，一些”梦“终归变成了泡沫。我对“落后”这件事慢慢接受，心底更多是坦然，我总归要把视线挪回到真实自我之中。
抱着我重拾的内心平衡，我又开始运动。在今年试过将体脂降到16%，幻想掌控了身材就拥有了对生活的控制权。但达成目标后发现并没有想象中的那么开心，没有大肌肉量还是不够好看，如果肌肉量起来了，体脂又会升高。如果把优绩主义带入运动中，用好身材当作目标，长期来看你终归会放弃这件并没有明显“收益”的苦差事。审美偏好是流动的，你没有办法满足所有人的期待。
在下半年我的心态发生了变化，我渐渐去感受和享受自己的“运动表现”。相对于为了“美”，我会把目标放在直接的数据上，例如最多能完成多少个引体向上，做完30个波比用时多少，这些清晰可衡量的“竞技精神”，让我有了更明确的目标，而这个目标就是，今天的自己战胜昨天的自己，是“更高、更快、更远”。
当我把“运动”这个标签和其他标签一起发个ChatGPT时，它把“运动”和“电影”归到了一起——“娱乐”。这个结果让我会心一笑，我们在运动中投入了太多期待，希望运动成功拯救自己。
实际上，运动不能成为挽救你“失败”人生的武器，在气喘吁吁后你还是要回去面对满地鸡毛的人生，你还是会在自我接纳的问题上一直摇摆。但运动也不是一无是处，至少你在面对难题时学会如何正确地腹式呼吸了，不是吗？
365天每天都想买包的我是一个重度的包包爱好者，在拥有过那么多尺寸和价格的包之后我还是想要一个新包，难道我就遇不到一个完美的包吗？
当我们讲到买包，很容易就会把这个行为和女性联系起来。通过知乎高问就能看出，关于买包最多的问题和最多赞的回答都围绕“为什么女生那么爱买包？”展开。但事实上爱买包的人群中，男女都有。lv的商场中女包有近500只，而男包也有近300只。如果只有女性爱用包，国家地理出品的那么多丑陋的摄影包、每个程序员背上都有的电脑包又是给谁用的呢？
与之相反，用来贬低女性的包包里潜藏的是硬核的女性主义，在之前，欧洲女性只会在身上携带装袋针线的针线包，除此之外使用任何手袋都会遭到嘲笑。现代手袋在20世纪伴随着女性参政的出现运营而生。包包象征着新兴独立，意味着随心所欲地自由来去，离开家也无须告知任何人。20 世纪60 年代末女权运动期间，几百年来占据女性衣柜的所有配饰一一帽子，阳伞、手套、皮手笼都不复存在。只有手袋留了下来，而且从胳膊移至到了肩膀，解放了女性的双手正如她们解放了自己的头脑和灵感一样。当20 世纪80年代，女性成群结队地加入工作大军的行列，她们觉得需要一只从早到晚跟着她们，可以当做一只公文袋来使用的包包。她们需要一些经典的，不是那么俗艳的东西，让她们在这个男人的世界里保持身份，不至影响她们的愿望被认真对待和接受。或许女生那么爱包除了对美的追求，更来源这是她们千辛万苦争取到的独立和自信的象征。
包的外观是我们面向社会的面具。通过衣着的风格、材质我们可以轻松分别出对方的职业、身份。而包款作为穿着的一部分，复用性高，因此也成为很多人身上的高价单品。从80年代开始，设计师在包上签名来代替顾客的名字，强化了包的社交属性。
包的内里是人们移动的家，当离开家之后，包就变成了人们移动的家。里面存放的是人们不同的生活方式。对于在一线城市拮据于窄小房间的人来说，工作日需要往返于家和公司，休息的时间选择外出或许更够享受到更加宽敞明亮的公共空间，现代的咖啡厅功能性上代替了独居青年客厅，他们会选择在这里和朋友们约会聊天或是用电脑学习、打发时间，在这样的情况下，包包更多时间化身为移动的家，方便存放各种各样生活的必需品、可以是健身换洗的衣物、没做完的工作、送给朋友的礼物、没吃完的早餐……
现在我们生活在一个物质过剩的年代，很多人的购买行为其实早就超出了满足生存需求，购买行为带给我们的更多是精神上的享受。如果一个人对现状是满意的，那么他大概率不会购置新的产品。包陪伴在你一切外出行动的过程中，当你走出家门的目的地变了，你可能就会想要一些物理上的标志来帮你快速切换身份，例如我们习惯上班带小包、去购物时背比较好看的包、健身时背轻便防水的包、徒步的时候带结实耐用的包。
大部份情况，购买一个新包并不会改变别人对你的看法、也不能从客观上改变你生活的状态。但该买还是买，毕竟用自己赚的钱购买自己喜欢的东西是最容易够到、获得满足的方式。我想永远差一个包，一个可以装下对生活所有期待的包。
🔗书籍奢侈的
Mœbius 的作品早早突破了漫画的定义，而是独树一帜的艺术品。他的画面中对未来世界的描绘为后来的漫画、电影、电视提供了影像参考。他的作品不限于对未来科技、奇观、夸张视觉的关注，还在漫画作品中融入了宏大的哲学命题。
画面题材上他常常选用壮观的自然风景搭配体积庞大的建筑物，同时融合了科幻太空与沙漠西部，而画面中的人物常常是游离的，给人留出遐想的空间。他的标志性画面风格是使用高饱和度的对比色，配合画面准确写实的线条构成了丰富的细节。
这周很幸运听了同事的的一门课程，利用“个人职场画布”规划职业发展与生活，里面谈到了一些非常有趣的观点——例如把自己当作品牌来经营，启发我梳理生活中很多凌乱的思路。而我也在这个信息化和竞争激烈的时代，后知后觉认识到个人品牌的重要性。
2022年互联网经济破灭，进入互联网大厂就可以高枕无忧已经成为过去式，而很多以往高利润的行业（例如：房地产、教育、线下零售、传统媒体）也在过去三年不断受到疫情、数字媒体、政策的冲击。很多人都被迫改行，因为职业不一定会按照规划，线性地、良性发展。一辈子在一个领域里深耕可能在未来行不通了，越来越多的人开始尝试多元化的职业选择和自我实现。打造个人品牌就是为了让自己在这个多元化的职业市场中更具有竞争力，展现自己的价值和特长。
当然，数字社交媒体和互联网的发展也给了每个人更多的机会，通过自我推销来实现自己的职业和生活目标。其实运营自己不是什么新玩意，“豆腐西施”、“武大郎烧饼”都是很早期的实践，但是互联网给了个人品牌更好的传播渠道，加大了自我营销的重要性。
人设这个词本身带着刻板印象和偏见，和人设做朋友注定不是一个最佳的相处方式。但每个人的注意力都是极其有限，也并不是所有人都有一个月的时间和你慢慢相处了解你。每个人都有自己的特点和优点，通过有吸引力的人设可以更好地展现出这些特点和优点，可以更快地引起别人的兴趣和信任，找到互联网上的同类。
Fake it until make it，例如当你把运动达人作为你的人设，自然而然地会推动你去尝试更积极的运动，而如果你的人设是美术达人，你也会花时间投资自己的艺术修养，人设在某些情况下成为目标和推动力。但打造人设并不意味着完全假装成别人，这就是人设翻车的故事了。
做个人品牌的传播等同于做博主吗？我想关键区别在于受众，当你把内容传播的受众从身边人扩大到更广阔的互联网就成为了博主，而只写给自己和身边的人也是一种选择。写内容之后可以吸引有相同兴趣爱好的人，建立一个接触你的窗口，也可以让朋友家人更加深入地了解你，同时也是帮自己理清自我。
最近开始写东西会发现，想要受到关注，建立和受众的联系真是一件不简单的事情。
时间上的不简单。发社交媒体需要投入很多的时间资源，其中包括学习各个平台的操作方式，内容形式，还需要实际操作，这都会占用很多的时间。在实际操作中，这就需要你有毅力坚持内容输出，特别在早期没有实际回报的时期。
技术上的不简单。平台文风和内容运营实际上有很多不为人道的技巧。而不断更迭的平台和算法也常常要求你掌握新的内容规划手段。
判断上的不简单。Newsletter是我传播方式分享的一个实践，但其实内容分享的渠道非常多：微博、小红书、播客、博客、朋友圈、公众号、短视频、个人网站。没有哪个博主可以面面俱到，哪个平台是适合自己的需要更多的实践和判断力，同样难以抉择的是做什么内容，这又要求你对自己的长处足够熟悉。
一份职业发展画布最重要也是最不可被代笔的就是你的职业目标。你想要做什么可能是最难回答的问题。当然你可以把钱填在这个位置，但果真如此吗，你不妨叩问一下自己，如果你实现了财富自由你会想要做什么？当然这个回答也注定永远是动态的，在实践中我和朋友也发现用一些具体的行为来代替抽象的概念会更加好实现，例如把目标选做培养一项运动、品尝一种食物、接触一类工作内容而不是健康、自由、快乐。
尽管全篇讲的都是从内容创作的角度如何运营自己，但更多时候我觉得表达欲更像是春天的花，自己会生长起来。而我想要做的就是把这些花摘出来按照颜色分类，收藏起来，这样为没有生命力的冬天提供一些活力。